Arnold Schoenberg, la figura emblemática del expresionismo musical (por: Adolphus Hall)

Arnold Schoenberg (1874-1951) también conocido como Schönberg, fue un compositor, teórico musical, educador, escritor y pintor Austriaco – americano, ampliamente considerado como uno de los compositores más influentes del siglo XX. Asociado con el movimiento expresionista en la poesía y el arte, es también reconocido como el líder de la segunda escuela vienesa. Como compositor de origen judío, Schoenberg fue blanco del partido Nazi, quien etiquetó sus obras como musica degenerada y prohibió su publicación y difusión. Emigró a los Estados Unidos en 1933, convirtiéndose en ciudadano americano en 1941[1].

El enfoque de Schoenberg, tanto en términos de armonía como de desarrollo, ha dado forma a gran parte del pensamiento musical del siglo XX. Muchos compositores de al menos tres generaciones han ampliado conscientemente su pensamiento, mientras que otros han reaccionado apasionadamente en su contra.

Schoenberg fue conocido al principio de su carrera por extender simultáneamente los estilos románticos alemanes tradicionalmente opuestos de Brahms y Wagner. Posteriormente, su nombre llegaría a personificar las innovaciones en atonalidad (aunque el propio Schoenberg detestaba ese término) que se convertirían en el rasgo más polémico de la música clásica del siglo XX. En la década de 1920, Schoenberg desarrolló la técnica de los doce tonos, un método de composición influyente para manipular una serie ordenada de las doce notas en la escala cromática. También acuñó el término variación en desarrollo y fue el primer compositor moderno en adoptar formas de desarrollar motivos sin recurrir al dominio de una idea melódica centralizada.

Schoenberg también fue un influyente profesor de composición; sus alumnos incluyeron a Alban Berg, Anton Webern, Hanns Eisler, Egon Wellesz, Nikos Skalkottas, Stefania Turkewich y más tarde John Cage, Lou Harrison, Earl Kim, Robert Gerhard, Leon Kirchner, Dika Newlin, Oscar Levant y otros músicos destacados. Muchas de las prácticas de Schoenberg, incluida la formalización del método de composición y su hábito de invitar abiertamente al público a pensar de forma analítica, se repiten en el pensamiento musical de vanguardia a lo largo del siglo XX. Sus puntos de vista a menudo polémicos sobre la historia y la estética de la música fueron cruciales para muchos musicólogos y críticos importantes del siglo XX, incluidos Theodor W. Adorno, Charles Rosen y Carl Dahlhaus, así como los pianistas Artur Schnabel, Rudolf Serkin, Eduard Steuermann y Glenn. Gould.

Carrera en composición

Cuando tenía veinte años, Schoenberg se ganaba la vida orquestando operetas, mientras componía sus propias obras, como el sexteto de cuerdas Verklärte Nacht ("Noche transfigurada") (1899). Más tarde hizo una versión orquestal de esto, que se convirtió en una de sus piezas más populares. Tanto Richard Strauss como Gustav Mahler reconocieron la importancia de Schoenberg como compositor. Strauss al escuchar Gurrelieder y Mahler al escuchar sus composiciones tempranas.  Strauss recurrió a un idioma más conservador en su obra después de 1909, y en ese momento descartó a Schoenberg. Mahler lo adoptó como protegido y continuó apoyándolo, incluso después de que el estilo de Schoenberg llegara a un punto que Mahler ya no podía entender. Mahler estaba preocupado por quién cuidaría de él después de su muerte[2].  Schoenberg, que inicialmente había despreciado y burlado la música de Mahler, fue convertido por el "rayo" de la Tercera Sinfonía de Mahler, que consideró una obra de genio. Después "habló de Mahler como de un santo”.

También en este año, Schoenberg completó una de sus composiciones más revolucionarias, el Cuarteto de Cuerdas No. 2. Los dos primeros movimientos, aunque de color cromático, utilizan firmas de clave tradicionales. Los dos movimientos finales, nuevamente usando poesía de George, incorporan una línea vocal de soprano, rompiendo con la práctica anterior del cuarteto de cuerdas, y debilitan audazmente los vínculos con la tonalidad tradicional. Ambos movimientos terminan en acordes tónicos y la obra no es totalmente atonal.

Más tarde, Schoenberg desarrollaría la versión más influyente del método de composición dodecafónico (también conocido como dodecafónico), que en francés e inglés recibió el nombre alternativo de serialismo por René Leibowitz y Humphrey Searle en 1947. Esta técnica fue retomada por muchos de sus alumnos, que constituyeron la llamada Segunda Escuela Vienesa. Incluyeron a Anton Webern, Alban Berg y Hanns Eisler, todos los cuales fueron profundamente influenciados por Schoenberg. Publicó una serie de libros, que van desde su famoso Harmonielehre[3] (Teoría de la armonía) hasta Fundamentos de la composición musical,[18] muchos de los cuales todavía están impresos y son utilizados por músicos y compositores en desarrollo.

Schoenberg continuó en su trabajo hasta que los nazis llegaron al poder en 1933. Mientras estaba de vacaciones en Francia, le advirtieron que regresar a Alemania sería peligroso. Trae en años anteriores haberse convertido al cristianismo, Schoenberg reclamó formalmente la membresía en la religión judía en una sinagoga de París y luego viajó con su familia a los Estados Unidos.

Después de mudarse a los Estados Unidos, donde llegó el 31 de octubre de 1933, el compositor usó la ortografía alternativa de su apellido Schoenberg, en lugar de Schönberg, en lo que llamó "deferencia a la práctica estadounidense", aunque según un escritor primero hizo el cambio un año antes[4]. Murió el viernes 13 de julio de 1951.

Según Ethan Haimo[5], la comprensión de la obra dodecafónica de Schoenberg ha sido difícil de lograr debido en parte a la "naturaleza verdaderamente revolucionaria" de su nuevo sistema, la información errónea difundida por algunos de los primeros escritores sobre las "reglas" y las "excepciones" del sistema que tienen "poca relación con las características más significativas de la música de Schoenberg", el secretismo del compositor y la falta generalizada de disponibilidad de sus bocetos y manuscritos hasta finales de la década de 1970. Durante su vida, fue "sometido a una variedad de críticas y abusos que es impactante incluso en retrospectiva".

 La audición sugerida de este compositor es Pierrot Lunaire. Originalmente titulada; Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds 'Pierrot lunaire', ("tres veces siete poemas de Pierrot Lunaire de Albert Giraud"), conocido comúnmente como Pierrot Lunaire, Op. 21, es un ciclo de canciones compuesto por Arnold Schoenberg. Es un conjunto seleccionado de 21 poemas de la traducción realizada por Otto Erich Hartleben del ciclo de poemas franceses del mismo nombre de Albert Giraud. La obra se estrenó en el Berlín Choralion-Saal en octubre de 1912, con Albertine Zehme como vocalista.

La soprano solista canta los poemas en el estilo Sprechstimme, novedosa forma de emisión vocal que realza el contenido de los poemas y sitúa las canciones en un registro que emula al utilizado por los cantantes de cabaret. La obra es atonal, pero no dodecafónica, dado que Schoenberg comenzó a experimentar con el dodecafonismo en un punto posterior de su carrera.

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[1] Berg, Marita (2013). "The Nazis' take on 'Degenerate Music'". Deutsche Welle.

[2] Stuckenschmidt, Hans Heinz. 1977. Schoenberg: Su vida, mundo y obra, traducido del alemán por Humphrey Searle. New York: Schirmer Books.

[3] Schoenberg, Arnold. 1967. Fundamentals of Musical Composition. Edited by Gerald Strang, with an introduction by Leonard Stein. New York: St. Martin's Press. Reprinted 1985, London: Faber and Faber.

[4] Ross, Alex. 2007. The Rest Is Noise: Listening to the Twentieth Century. New York: Farrar, Straus and Giroux,

[5] Nacido en Estados unidos en 1950. Compositor, pedagogo e compositor de origen judío.